Anmerkung: Dieser Artikel wurde ursprünglich auf Englisch und Türkisch veröffentlicht hier.
Ich bin Kaan Zorlu, ein 3D-Generalist und stilisierter Charakterkünstler aus Los Angeles, Kalifornien. Meine Arbeit umfasst Sculpting, Modellierung, Texturierung, XGen-Frisieren und Rigging von ausdrucksstarken Charakteren sowohl für High-Poly- als auch für Game-Ready-Pipelines.
Ich verwende hauptsächlich Maya, ZBrush, Substance Painter, Photoshop und Clo Designer. Als Absolvent der Fakultät für Architektur der Beykent University (2020–2024) verbinde ich ein Auge für Form und Ausdruck mit produktionsreifen Workflows und verfeinere immer die Beleuchtung und das Rendern, um Charaktere zum Leben zu erwecken.
Wie begann Ihre Reise in die 3D-Kunst?
Ich habe mich mit zehn Jahren in 3D verliebt, war fasziniert von Animationsfilmen und davon besessen, meine eigenen kleinen Welten zu erschaffen. Ich verbrachte Jahre damit, mir selbst etwas beizubringen – oft blieb ich lange wach und las die Dokumentation von Maya –, bevor ich meinen ersten Job in einem kleinen Studio in Kahramanmaras in der Türkei erhielt. Von Anfang an setzte ich mir zwei Ziele: ein besserer Lehrer zu werden, damit andere nicht so kämpfen wie ich, und Charaktere mit der starken künstlerischen Leitung zu erschaffen, die ich in Disney-Filmen bewundert habe. Heute bin ich als 3D-Generalist, der sich auf stilisierte Charaktere konzentriert, stolz darauf, beide Ziele stetig zu erreichen und gleichzeitig jeden Tag dazuzulernen.
Was sind die größten Herausforderungen bei Ihrer Arbeit?
Die größte Herausforderung besteht darin, enge Fristen ohne Qualitätseinbußen einzuhalten. Um dies zu bewältigen, unterteile ich jedes Projekt in kleine Meilensteine (Blockout → Sculpt → Retopo → Groom → Lookdev), wobei ich Silhouette und Ausdruck frühzeitig verfestige, um Feedback effizient zu gestalten. Eine klare und häufige Kommunikation mit Teamleitern trägt dazu bei, dass der Umfang realistisch bleibt, und stellt sicher, dass ich ausdrucksstarke, produktionsreife Charaktere pünktlich liefern kann.
Welche Fertigkeiten sind für den Erfolg in 3D und Animation unerlässlich?
Kreativität ist von grundlegender Bedeutung, aber sie muss mit einem starken Fundament in Einklang gebracht werden: Silhouette, Anatomie, Geste, Farbe und Beleuchtung. Technische Fertigkeiten – Sculpting, Topologie, UVs, Texturierung, Frisieren und Rigging, Look-Entwicklung – sind ebenso wichtig wie Produktionsbewusstsein für Optimierung, Pipeline-Integration und Zeitmanagement. Genauso wichtig sind Soft Skills wie Kommunikation, Problemlösung, schnelle Iteration und kontinuierliches Lernen. In meiner eigenen Praxis ist es die Balance zwischen künstlerischer Vision und technischer Disziplin, die meine Figuren auszeichnet.
Können Sie ein Projekt hervorheben, auf das Sie besonders stolz sind?
Ein Projekt, auf das ich stolz bin, ist Melody in den Zag Studios. Ich habe direkt mit Jeremy Zag zusammengearbeitet, um einen Charakter vom Konzept bis zur 3D-Entwicklung zu bringen. Meine Rolle bestand aus stilisiertem Sculpting, Topologieoptimierung und Anpassung an verschiedene Kunststile. Die Herausforderung bestand darin, Jeremys kühne künstlerische Vision zu bewahren und gleichzeitig mit verschiedenen Ausdrucksformen und Looks zu experimentieren. Diese Zusammenarbeit stärkte sowohl mein künstlerisches Empfinden als auch meinen Pipeline-gesteuerten Ansatz zur Charaktererstellung.
Sie können mehr von meiner Arbeit auf meinem ArtStation-Profil oder auf meiner Website entdecken.
Was motiviert Sie, Wissen zu teilen?
Ich erinnere mich, wie langsam und frustrierend es sich anfühlte, 3D mit so wenigen Ressourcen zu lernen. Unterrichten ist meine Art, etwas zurückzugeben: Ich unterteile komplexe Arbeitsabläufe in praktische Schritte, betreue Nachwuchskräfte und erstelle Lernprogramme oder Voreinstellungen, die anderen Zeit sparen. Kreative Communities spielen dabei eine Schlüsselrolle: Sie geben ehrliches Feedback, bringen neue Ideen an und verwandeln individuellen Fortschritt in gemeinsames Wachstum. Zusammenarbeit und Kritik machen jedes Projekt besser.
Wie sehen Sie die Entwicklung der 3D- und Animationsbranche?
In der Türkei boomt die 3D/CG-Branche dank des schnell wachsenden Gaming-Marktes und des erfolgreichen Exports von TV-Serien, wodurch die Produktionsfähigkeiten und das Storytelling verbessert wurden. In ganz Europa eröffnen Streaming-Plattformen und vermehrte lokale Auftragsvergaben neue Möglichkeiten für Animation und VFX. Weltweit wächst die Nachfrage rasant, angetrieben durch mobiles Spielen, Echtzeit-Workflows und Inhalte in Kinoqualität. Für Künstler bedeutet dies, dass Flexibilität der Schlüssel ist: die Kombination künstlerischer Grundlagen mit Pipeline-bewussten Techniken, um sich an Spiele-, TV- und Echtzeitprojekte weltweit anzupassen.
Auf welche Tools verlassen Sie sich am meisten?
Mein Hauptwerkzeug ist Autodesk Maya – für Modellierung, Topologieneuerstellung, Rigging, XGen-Grooming und Szenenassemblierung. Ich kombiniere es mit ZBrush für Sculpting, Substance Painter und Photoshop für Texturierung und Look-Entwicklung und Clo Designer, wenn Kleidungssimulation benötigt wird. Dieses Toolkit gibt mir sowohl künstlerische Freiheit als auch technische Präzision, sodass ich schnell iterieren und Charaktere erstellen kann, die sich lebendig anfühlen und sich gleichzeitig in die Produktionspipelines einfügen.
Gibt es neue Werkzeuge oder Funktionen, die Sie bei Ihrer Arbeit inspiriert haben?
Ich jage nicht jedem Update hinterher; ich priorisiere künstlerisches Wachstum. Aber ich setze Tools ein, die die Charakterarbeit deutlich beschleunigen oder den Ausdruck verbessern. In letzter Zeit hat mich Wonder Dynamics am meisten inspiriert, insbesondere die Motion-Capture-Funktionen.
Welche Rolle haben professionelle Gemeinschaften bei Ihrer Entwicklung gespielt?
Anfangs habe ich hauptsächlich über die Hilfedokumente und Digital Tutors von Maya gelernt. Später wurden Plattformen wie ArtStation, Autodesk AREA und sogar Facebook-Gruppen zu einem riesigen Unterstützungssystem. Meine Arbeit dort zu teilen, gab mir wertvolles Feedback, Ermutigung und Motivation, mich weiter zu verbessern. Diese Gemeinschaften waren sowohl für meine Fähigkeiten als auch für mein Selbstvertrauen von entscheidender Bedeutung.
Was bedeutet es für Sie, Teil eines globalen kreativen Netzwerks zu sein?
Es bedeutet, sich mit verschiedenen Stimmen und Perspektiven auseinanderzusetzen, die mein künstlerisches Auge und mein Geschichtenerzählen schärfen. Beruflich schafft es echte Chancen: Remote-Zusammenarbeit, gemeinsame Pipelines, Sichtbarkeit und Feedback, die das Wachstum beschleunigen. Persönlich ist es motivierend und erdend: Zu sehen, wie andere Herausforderungen angehen, erinnert mich daran, dass ich nicht allein bin, und inspiriert mich, durch Tutorials, Mentoring und Voreinstellungen etwas zurückzugeben.
Welchen Rat würden Sie angehenden 3D-Künstlern geben?
Konzentrieren Sie sich zunächst auf die Grundlagen – Form, Silhouette, Anatomie, Beleuchtung –, bevor Sie komplexen Ergebnissen hinterherjagen. Fürchten Sie sich nicht vor langsamen Fortschritten; Konsistenz ist wichtiger als Geschwindigkeit. Teilen Sie Ihre Arbeit frühzeitig, nehmen Sie Feedback offen entgegen und lernen Sie dazu– sei es durch neue Arbeitsabläufe oder einfach durch die Beobachtung der Welt um Sie herum. Denken Sie vor allem daran, dass 3D ein Marathon und kein Sprint ist. Leidenschaft und Beharrlichkeit bringen Sie weiter als nur Talent.
Haben Sie noch eine abschließende Botschaft an unsere Community?
Lassen Sie uns einander unterstützen. Die Branche steht vor einer schwierigen Zeit, und der beste Weg in die Zukunft besteht darin, zusammenzustehen – sei es durch ehrliches Feedback, Empfehlungen von Fachkollegen oder einfach gegenseitige Ermutigung. Unsere Branche gedeiht, wenn wir uns gegenseitig unterstützen.
Anmerkung: Dieser Artikel wurde ursprünglich auf Englisch und Türkisch veröffentlicht hier.
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