Felipe Fierro

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Member Spotlight: Felipe Fierro

Felipe Fierro is a Colombian Animator and 3D artist and creative director with over two decades of experience in animation and digital storytelling. While his commercial collaborations with major studios and franchises are impressive, this interview focuses on something more intimate: his work, his voice as a creator, and the deeply emotional journey of rediscovering the joy of creating just for himself, at the same time of having his own company.

Lee el artículo en español al final.

Felipe, how did your animation journey begin?

I’ve wanted to be an animator for as long as I can remember. As a kid, I used to draw and then wonder why my drawings didn’t “feel alive.” I made flipbooks and even PowerPoint presentations to simulate movement. When I was 12, I discovered a local Autodesk Authorized Training Center here in Colombia—Nazca Digital—and that’s where my journey with 3D began.

I started with 3ds Max and later Maya, and quickly became immersed. Because of my age and dedication, I was invited to present at Autodesk events across Latin America.

You received significant recognition at a very young age, didn’t you?

Yes, when I was just 17, I was honored with the Autodesk Artist of the Month (AOM) award. I later learned I was the first Latin American artist to receive this recognition. It may have seemed like a small gesture, but to me, it changed everything. It validated my work and opened doors to opportunities I never imagined—collaborations with studios like HBO, Hasbro, and Marvel.

To this day, I keep that little plaque close. It reminds me that sometimes, the smallest moments have the most significant echoes.

Your work has a very distinctive visual style. How did that develop?

Like many artists, I was initially obsessed with hyperrealism. It felt like the ultimate goal. But once I achieved it, I realized it didn’t fulfill me. I found inspiration in artists like Picasso, who, after mastering realism, asked himself what came next.

For me, “next” was returning to the roots: bringing the soul of traditional 2D animation into 3D space. For instance, my characters have oval eyes instead of spherical ones—a small but meaningful design choice that carries emotional weight. I’m more interested in charm and expression than technical perfection.

What is your creative process like when working on personal pieces?

I think in images, not in words. I don’t start with a script or text-based idea. Instead, I begin with a visual that speaks to me emotionally and let the project evolve from there. Often, the work itself tells you what it needs. I like discovering the piece as I make it. It’s an intuitive process, not a rigid one.

Let’s discuss one of your latest personal pieces: the otter character.

That project was significant to me. After years focused on commercial work through my studio, Pigmalion Studio, I realized I hadn’t made anything personal in a long time.

The otter was just a fun idea I decided to explore, and it unexpectedly went viral on TikTok and Instagram. People connected with it, and Autodesk even shared it. But more than the visibility, what touched me was how it helped me reconnect with the joy of creating for its own sake. It brought me back to that inner child who used to animate for fun. That moment healed something in me.

What software tools are essential to your workflow?

I primarily use Autodesk Maya and Mudbox. Maya is my everything: modeling, rigging, animation, and rendering. I can handle the full pipeline with it. What I love most is its robustness. It lets me work with heavy scenes, complex rigs, and demanding assets without breaking my flow.

As for Mudbox, I know it’s less talked about now, but it remains one of my favorite tools, especially for texturing. It’s like Photoshop for 3D. I use it when I want complete manual control. It lets me get close to the artistic details.

For the otter project, for example, I sculpted the entire base in Maya using new tools like Booleans and auto-retopology. That model was created 100% in Maya — including some sculpting, which was surprisingly robust thanks to recent updates.

How have creative communities, like Autodesk Area, supported your development?

They’ve been essential. Truly. Being selected as Artist of the Month at only 17 years old by Autodesk changed my career. What seems like a small gesture can mean the world to an emerging artist. That recognition gave me visibility and credibility, and opened doors I never expected.

I love spaces like the Autodesk Community, where artists can showcase their work, connect, and be inspired. These communities aren’t just platforms — they’re ecosystems of support. And now that I’ve come full circle, I’m deeply grateful to give back and inspire others, just as I was once inspired.

What is Latin America’s role in today’s digital content industry?

We’re in a unique position — somewhere between the indie spirit of Europe and the mainstream power of the U.S. Countries like Colombia, Mexico, Argentina, and Brazil are producing incredible content, including shows for major networks like Cartoon Network.

We also have practical advantages: our time zones align well with the U.S., and our production costs can be more competitive. That said, we must balance those strengths with fairness. Sometimes, young artists are exploited under the guise of opportunity. We need to ensure that the exchange is mutual and respectful.

What advice would you give to someone creating their first original piece?

Don’t chase the perfect software or workflow. There’s no holy grail. Find what works for you — and give yourself the grace of patience. Creating is like learning to play an instrument: you won’t be a virtuoso on day one. Just sit down and play every day.

Above all, remember why you started. Maybe it was movies, video games, comics… whatever it was, hold onto it. That joy is your compass. The tools are essential, but your voice is what truly matters.

And finally, what would you like to say to the Autodesk community?

Thank you. For real. Thank you for creating spaces where artists can be seen, heard, and supported. That little plaque I received at 17? It changed my life. You never know what kind of impact a gesture like that can have.

To all the artists out there: don’t lose touch with the part of you that wants to create. That’s where the magic lives.

Versión en Español

Miembro Destacado: Felipe Fierro

Felipe Fierro es un artista digital colombiano con una historia que conmueve tanto como inspira. Comenzó su camino en la animación a los 12 años, cuando descubrió que podía dar vida a sus dibujos. Desde entonces, ha construido una carrera que abarca la dirección creativa, el desarrollo de personajes y la exploración de una voz artística profundamente personal.

En esta entrevista, hablamos no solo de su técnica, sino de sus emociones, de su obra propia y de ese momento crucial en que volvió a crear solo por placer, a la vez que lidera su propia empresa.

Felipe, ¿cómo comenzaste en la animación?

Desde niño tenía claro que quería animar. Dibujaba y sentía que a mis personajes “les faltaba vida”. Empecé con flipbooks y hasta con presentaciones de PowerPoint, buscando simular movimiento. A los 12 años conocí un centro de formación de Autodesk aquí en Colombia —Nazca Digital— y fue ahí donde empezó todo formalmente. Aprendí primero con 3ds Max y luego con Maya, y muy pronto empecé a presentarme en ferias y eventos.

A los 17 años ya estabas recibiendo reconocimientos importantes…

Sí. A esa edad recibí el Artist of the Month (AOM) de Autodesk. Fui el primer artista latinoamericano en obtener ese reconocimiento, y eso me cambió la vida. Me abrió muchas puertas, me dio credibilidad, me permitió soñar más grande. Hasta hoy conservo esa plaquita con cariño. Ese pequeño gesto fue un antes y un después.

¿Cómo definirías tu estilo visual actual?

Al inicio me obsesioné con el hiperrealismo, que era como el “santo grial” para muchos. Pero cuando lo logré, me pregunté: ¿y ahora qué? Ahí fue cuando volví los ojos a lo que realmente me emocionaba: la animación tradicional, el cartoon.

Hoy me enfoco en personajes expresivos, con un lenguaje visual más cercano al 2D llevado al 3D. Me fijo en detalles como los ojos ovalados en lugar de esféricos, que aunque complican el rigging, aportan alma. Mi interés no está en lo perfecto de manual, sino en probar nuevas formas, en lo que conmueve.

¿Cómo es tu proceso creativo en obras personales?

Visual. No parto de guiones ni textos. Pienso en imágenes, en sensaciones. A veces la pieza te habla, te dice lo que necesita. No soy rígido: me dejo sorprender por el proceso. A veces una idea empieza como un simple sketch y termina convirtiéndose en una pieza completa.

¿Qué significó para ti la pieza de la nutria?

Muchísimo. Llevaba años dedicado casi por completo a mi estudio, Pigmelion Animation Studio, trabajando en proyectos comerciales. Pero sentía que había perdido conexión con mi parte más genuina.

La nutria fue un experimento personal, algo que hice con amor y sin presión. Y se volvió viral: en TikTok, en Instagram, Autodesk la compartió, muchos artistas la comentaron…

Pero más allá de los likes, me ayudó a reconectarme con el niño que jugaba animando por puro gusto. Me recordó por qué empecé.

¿Qué herramientas de Autodesk utilizas y cómo las integras en tu flujo?

Soy usuario de Maya y Mudbox, y los amo profundamente.

Maya es mi herramienta principal. Con él hago todo: modelado, rigging, animación, render… Me encanta su robustez y cómo aguanta escenas pesadas sin colapsar. Tiene un abanico de herramientas que, si las exploras bien, te permiten hacerlo todo desde un solo lugar.

Mudbox, aunque menos popular hoy, sigue siendo increíble para texturizar a mano. Es como tener un Photoshop 3D. Cuando quiero controlar cada trazo, ahí recurro a él.

Por ejemplo, la nutria fue hecha completamente en Maya, incluso el esculpido, usando herramientas nuevas como Booleans y retopología automática. ¡Y funcionó de maravilla!

¿Qué papel ha jugado la comunidad Autodesk en tu carrera?

Un papel enorme. Esa primera vez que fui nombrado Artista del Mes con solo 17 años fue muy simbólica. Sentí que me estaban diciendo: “te vemos, tu trabajo importa”.

Eso me dio confianza, me abrió puertas, me conectó con gente y me hizo seguir.

Por eso valoro tanto espacios como la Comunidad de Autodesk, no solo sirven para mostrar tu trabajo, sino para construir comunidad, inspirarse, y sentirse acompañado en un mundo que a veces puede ser muy solitario.

¿Cómo ves a América Latina en la industria del contenido digital?

Estamos en un lugar muy interesante. En Colombia, México, Argentina, Brasil… se están produciendo series para grandes cadenas como Cartoon Network.

Siento que el 2D tiene una vena muy indie en la región, mientras que el 3D tiende a lo mainstream. Pero hay muchísimo talento.

Nuestra cercanía horaria con EE.UU. es una ventaja logística, y los costos también nos hacen competitivos. Pero ojo: también hay que cuidar que eso no lleve a explotación laboral. A veces jóvenes con muchas ganas aceptan condiciones injustas. Necesitamos crear una industria justa, donde el talento no se desgaste, sino que florezca y se le de apoyo de forma justa.

¿Qué le dirías a alguien que está creando su primera obra original?

Que se quite de encima la idea de que hay un software “perfecto”. No lo hay.

Explora. Equivócate. Encuentra el flujo que se parezca a ti.

Y sobre todo: ten paciencia contigo. Esto es como aprender guitarra. No vas a tocar un concierto el primer día. Pero si vuelves al instrumento cada día, ahí es donde ocurre la magia.

Y por favor: recuerda por qué empezaste. Si fue por amor al cine, al anime, a los videojuegos, a los personajes… no pierdas esa llama.

¿Un mensaje final para la comunidad de Autodesk?

Gracias por vernos, por abrir espacios, por darnos voz.

Ese reconocimiento a los 17 años me marcó. No se imaginan el impacto que puede tener algo así en la vida de un joven artista.

Y a quienes crean: no se desconecten de ese niño o niña que empezó todo esto. Ahí vive la parte más poderosa de nuestro arte.